Bocetos para una pieza de net.art "Ruta 2"

Respecto a la serie Bocetos para una pieza de net.art “Ruta 2”, maneja la dimensión espacio-temporal desde la exposición de sus imágenes. En primer lugar, mediante el acercamiento a los símbolos icónicos o señales de tránsito con los que constantemente interactuamos; la serie intenta significar las peculiaridades de la vida cotidiana.

Asimismo, dichas imágenes -que son trabajadas como detalles de una temporalidad-, también pretenden ralentizar la visión de lo cotidiano, y con ello advertir el tiempo de su acontecimiento; tal y como sucede con el uso del zoom en la imagen-movimiento del cine y la televisión. Al respecto, Calabresse señala lo siguiente: cuando se -lee- un entero cualquiera por medio de los detalles está claro que el objetivo es el de una especie de -mirar más- dentro del -todo- analizado, hasta el punto de descubrir caracteres del entero no observados a -primera vista-.[1] De modo que, la intención de esta serie es, sobre todo, la de señalar aquello que parece ser lo más insignificante de la vida cotidiana; y cómo, sin embargo, en un momento dado puede llegar a ser lo más significativo.

De la serie Boceto para un proyecto de red “Ruta 2”; siligrafía / papel del algodón, 2006.

Por otro lado, el elemento gráfico que persiste en las series de “Ruta 1” y ”Ruta 2”, es que han sido trabajados en base al claroscuro y al alto-contraste del territorio gráfico; como una aproximación al flashback que se emplea en la narración cinematográfica comúnmente relacionado al recuerdo, al sueño o a un tiempo indeterminado. Así pues, la imagen que es capturada a partir de la fotografía; posteriormente es manipulada con la herramienta informática; para en seguida ser intervenida con la atmósfera oscura que permite la siligrafía. De modo que, la imagen se muestra como una presencia poética, a pesar de su iconicidad.

Pero regresando al concepto de espacio-temporalidad, destaca que ambas series son construidas a partir de diversas dimensiones independientes. Siendo la primera la espacio-temporalidad de la realidad donde es tomada la imagen; la segunda es el espacio-temporalidad de la impresión de esa imagen; y la tercera, es aquella de la espacio-temporalidad en la que las animaciones son presentadas en la interfase de la red, como imágenes interactivas. De esta manera, en los proyectos de “Ruta 1” y ”Ruta 2”, la gráfica tiende a jugar con tres espacio-temporalidades en toda su extensión visual.

Es así que las dimensiones espacio-temporales reflejadas en este trabajo parten de la intromisión del tiempo y el movimiento en el discurso gráfico; y, por ende, en la transformación del tiempo vivido por el artista –desde el proceso de la obra- y por el espectador –en la recepción de la misma-.

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[1] Omar Calabresse, La Era Neobarroca, Madrid, Ediciones Cátedra, Signo e imagen, 1999, pág. 88.

Bocetos para una pieza de net.art "Ruta 1"

Ahora bien, en las series Bocetos para un pieza de net.art “Ruta 1” y “Ruta 2”, la dimensión espacio-temporal se aplica desde una perspectiva diferente. Por ejemplo, en la serie boceto para un proyecto de red “Ruta 1”; el concepto de espacio-temporalidad está contenido en la propia representación, esto es desde en la forma en que intenta simbolizar el devenir cotidiano. Ya que, a manera de flashback las secuencias de imágenes interpretan el acontecimiento, atrapando en cada imagen un fragmento de segundo..De la serie Boceto para un proyecto de red “Ruta 1”; siligrafía /papel del algodón, 2005.

El fragmento se vuelve así la pieza más importante para jugar con el concepto de espacio-temporalidad dentro de la imagen gráfica. Ya que, como se aprecia en las siguientes imágenes, el fragmento es una parte constitutiva con respecto a un todo temporal; y es por lo tanto, la “fracción” o la “fractura” y/o “congelación” de un tiempo.

El fragmento, según Calabresse, aun perteneciendo a un entero precedente, no contempla su presencia para ser definido; más bien: el entero está in absentia [...] los confines del fragmento no son -de-finidos-, sino más bien -interrumpidos-.[1] De modo que, las siguientes imágenes visualizadas como fragmentos de una temporalidad re-construyen, por medio de la hipótesis, el sistema de su pertenencia, es decir, el sistema de su acontecimiento. Lo mismo que sucede cuando se trata de re-construir un sueño, donde sólo se poseen fragmentos icónicos de esa visión. O bien, lo que ocurre con el psicoanálisis, cuando se trata de analizar la personalidad de un paciente -entero-, a partir de la narración de un sueño -fragmento-.

Sin embargo, en esta serie de imágenes, de lo que se trata, es de que el concepto de espacio-temporalidad se vuelva hacia la imagen gráfica como la captura de un instante, como el fragmento de un segundo; para visualizar en ella la particularidad de la cámara fotográfica. Y en este sentido, la imagen puede o no tener una relación con una imagen anterior o posterior a ella.

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[1] Omar Calabresse, La Era Neobarroca, Madrid, Ediciones Cátedra, Signo e imagen, 1999, pág. 89.

"Del crepúsculo cotidiano”, 2006

15 serigrafías de 20x20cm.

El concepto de “Dimensiones espacio temporales” que Juan Martínez Moro describe en su libro Un ensayo sobre el grabado; nos dice que, una de las principales dimensiones que definen al arte moderno es la intromisión del tiempo en el discurso artístico, [el cual] entra a formar parte [...] tanto en cuanto repetición y trasformación del objeto artístico, como en virtud de la nueva importancia que adquiere el “tiempo vivido” del artista y del espectador. Por lo que, en esta pieza pretendo únicamente abocarme al concepto espacio-temporal que sugiere la repetición y la transformación del objeto artístico.

Por un lado, tenemos el concepto de arte procesual aplicado al grabado, el cuál se basa en la descomposición, acción y reconstitución del objeto artístico. Un ejemplo de ello, es la obra Superficial de Adam Lowe, en la que el artista emplea la placa como soporte pictórico donde suma o resta acciones que quedan registradas en la superficie del metal. Así pues, cada marca realizada por la acción de la mano, por la incisión del ácido, por la saturación de la resina, o por la presión en la impresión, es constantemente registrada en una nueva imagen. Lo que establece que la pieza no quede definida en el momento de su primera impresión, sino que, cada vez que una acción es ejercida sobre la placa, ésta es registrada en una nueva impresión, aumentando así la amplitud de la obra. De modo que el acto creativo se prolonga así en el tiempo, quedando su solución final desde el primer momento “in suspenso”, pues la posibilidad de una nueva interpretación, de una nueva intromisión del factor temporal, queda siempre abierta.[1]

Similarmente, la serie “del crepúsculo cotidiano”, realizada con la técnica de serigrafía, se aproxima a éste principio de re-creación múltiple y constante desde el aspecto de su impresión; ya que la temporalidad que se intentó manejar en dicha obra, partió de la acción ejercida en el momento de la estampación. Y es que, al colocar la tinta sobre la malla serigráfica pretendía jugar con la intención y el accidente para mezclar los colores, de modo que las diferentes tonalidades dieran origen a una nueva imagen y con ella a una nueva percepción del tiempo.

De esta manera, y a diferencia de la obra Superficial de Adam Lowe; la temporalidad de la imagen serigráfica se origina por la manipulación de la matriz en el proceso de la impresión. De modo que, cada imagen será entonces el producto del juego entre el azar y la intención. Por otro lado, éste concepto de temporalidad en la variación de impresiones pretende también responder a la idea tradicionalista de realizar estampas bajo el mismo principio icónico, es decir, lograr que todas las impresiones tengan una similitud en las tonalidades de su imagen.

[1] Juan Martínez Moro, “Un ensayo sobre grabado, A finales del siglo XX”, Santander, Creática Ediciones, 1998, pág. 66

Libros Proféticos. 2004-2005.

Impresiones digitales y transferencias sobre papel de algodón. 40 imágenes en varios formatos.

En un principio fue la tiza, el buril y la madera, ahora nos encontramos ante el recurso de los procesos electrónicos como una alternativa para producir imágenes. Entre los que se encuentran el copy-art, el fax art, el arte digital, entre otros. La mayoría de ellos, adoptados en la producción artística de algunos grabadores.

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Por lo que, en esta ocasión sólo me referiré a la inclusión del ordenador en los procesos de estampación para hacer gráfica (gráfica digital). Ya que, desde la década de los 60’s la nueva forma para reproducir una imagen, fue el uso de la computadora. Sin embargo, no fue sino hasta principios del siglo XXI, cuando la imagen digital es valorada tanto como imagen estética, como por su aspecto técnico; permitiendo con ello, que el grabador ampliará sus posibilidades para concebir una imagen, conduciéndolo hacia la búsqueda de nuevas fronteras y límites.

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Es así, que en la búsqueda de mi práctica profesional del día con día, me empecé a involucrar con los medios digitales. Y en series como: ”Libros proféticos y hojas sueltas”, jugué con imágenes extraídas de Internet con la idea de abordar el concepto de variación y seriación de una imagen digital; además de pretender ilustrar las predicciones del fin del mundo.

Diarios Íntimos; 2004 –2005.

Impresiones digitales y transferencias a color sobre papel de algodón. 25 imágenes de 20 x 20 cm. c/una

Continuando con la idea del placer y displacer, la siguiente serie trata de representar de manera idealista, los estados de ánimo que un objeto urbano y/o cotidiano puede evocar. Dicha sensación está relacionada con la interpretación simbólica del color, el texto y la composición de las imágenes.

Comúnmente la mayoría de los individuos nos comunicamos con la expresión corporal, pero ¿qué sucede si la expresión va ligada a un objeto?, acaso ¿entendemos? ó ¿creemos entender?; yo creo que la información que se nos presenta simplemente la adaptamos a nuestro estado de ánimo. Por ello, la intención de esta serie es la de interpretar y representar, de manera personal, las diversas emociones que un objeto puede causar.

De la serie "Objetos cotidianos". Un día cualquiera...

La finalidad de este proyecto nace de la idealización que el hombre tiene de los objetos, y por las sensaciones que estos provocan en él. A partir de la proyección de sentimientos humanos en los objetos es que pretendo realizar una antología de diversas interpretaciones y concepciones del placer y el displacer.

Un significado común del objeto cotidiano se basa en su funcionalidad y su valor de cambio[1]; sin embargo, cuando hablamos de un objeto como significante de placer ó displacer, éste es despojado de su significado general y de su función, para ser transformado en “objeto mágico”.

Esta transformación es originada en primer lugar por la idealización ó antipatía que el hombre tiene con respecto al objeto y, posteriormente por la fuerza emotiva de la que se ha apropiado dicho cuerpo, es decir, el individuo antes de elegir el objeto representativo de su placer ó displacer, debe negar, suprimir, exorcizar, idealizar, diferenciar y contradecir el significado cultural propio del objeto, para así complacer su deseo idealizado, malicioso ó reprimido; por su parte el objeto, asumirá el rol pasivo de aceptar el significado que le fue concedido, todo sucede dentro de la manipulación abstracta a la que ambos son sometidos.

Es la idealización y la humanización del objeto por parte del individuo, la que le da a éste el significado mágico que representa su placer ó agrado; así como, la percepción de desagrado y aversión la que produce en el objeto un significado de odio ó aberración. Es así como el hombre, capaz de abstraer y de crear códigos, ha depositado en los objetos una serie de significados e interpretaciones que responden a su propio concepto de placer y displacer.

Por último, para simbolizar dichas concepciones es necesario conocer y experimentar los significantes y sensaciones que provienen de experiencias vividas.

“La subordinación del individuo”

El encantamiento creado entre el sujeto y el objeto puede convertirse en una lucha de poder. La disputa es originada cuando el hombre deposita en el objeto un sentimiento idealizado, éste por su parte asume un rol pasivo y adopta el significado, obteniendo con ello la fuerza mágica capaz de someter al individuo; el sujeto entonces pasa de ser dueño a ser esclavo de su propio objeto.

Ese cambio de poder ha despertado mi interés por comprender la capacidad del hombre para proyectar sus sentimientos en un objeto; permitiéndome así, reflexionar sobre la actitud sumisa que adopta el individuo ante sus deseos y perversiones (para ver mejor las imágenes, darle click; y por favor, dejen sus comentarios).

[1] Jean Braudillard. "El sistema de los objetos". México, Siglo Veintiuno Editores, 1968.

"El contraste", breve introducción.

Mucho se ha hablado de la relación que existe entre el grabado y la cantidad de técnicas o procedimientos; y es que en los últimos dos siglos, el grabador tradicional, empeñado por conservar las técnicas ortodoxas, ha resguardado bajo un glosario de términos y un manual de técnicas, todos los procedimientos para la realización de una estampa.
Sin embargo, a partir de las vanguardias del siglo XX, varios artistas, grabadores o no, experimentaron con diversas técnicas y generaron nuevas vías de impresión; la mayoría de esos procesos fueron sujetos a los medios electrónicos (fotocopiadora y fax) que en ese momento se estaban generando. Provocando con la adopción de dichos medios, un mestizaje entre las técnicas tradicionales y las alternativas. El artista, como narrador de su historia debe reconocerse en su tiempo y aprovechar los medios que le proporciona la tecnología de su época.
Por su parte, el arte contemporáneo, enfocado al proceso que tiene la materia y a la búsqueda de nuevos medios, así como a la hibridación de éstos, ha optado por no determinar la técnica ni la habilidad del artista; y con ello ha propuesto que los artistas libres en su quehacer creativo, también puedan mostrarse libres en el medio que emplean. Por ello, creo que, la gráfica, siendo origen de la semiología de la imagen, no puede quedarse al margen de los avances tecnológicos en los medios de comunicación, y de la influencia que estos ejercen sobre la sociedad actual. Sobre todo porque el artista actual que hace gráfica, no necesariamente domina las técnicas tradicionales. Y con ello, no niego la historia, ni el repertorio instrumental del grabado tradicional, por el contrario, lo único que intento es dar una continuidad al desarrollo que ha tenido la gráfica en los últimos años.

Primera raíz de la imagen gráfica

El grabado, siendo la imagen tallada de los siglos XIV y XV, ha sido considerado un arte menor, muy por debajo de la pintura y escultura. Ha sido su característica fundamental, un medio de reproducción múltiple, lo que ha atentado contra las jerarquías impuestas por las Bellas Artes; por ello es un medio poco difundido en la historia del arte. Pero si hicieramo un recuento de su historia y su funcionalidad, lo ligaríamos primero a la religión. En época de la Edad Media, el grabado fue el único medio que provocó la difusión de la bíblia y los evangelios que cristianizaron a los pueblos. Su forma de transmitir los sucesos y mandamientos, fue a partir de la nemoctenía (memorización de la imagen). Esto ayudo a que mucha gente que no supiera leer las escrituras, las recordara por imágenes. Del mismo, los primeros libros impresos de ciencia o botánica serán ilustrados con grabado.

Para el siglo XVI, el grabado ya era visto como un medio de difusión, pero en este caso, de las obras de arte. Artistas de prestigiado renombre, como el holandés Rubens, se vieron beneficiados de esa reproductibilidad. Copiando sus propias pinturas en planchas de metal (huecograbado), eran destinadas a ser reproducidas en estampas; permitiendo así, que mucha gente accediera a ellas, no como obra original sino como la imagen reproducida. Desde entonces las obras originales serán colección de gente noble y adinerada; y la reproducción múltiple negará el valor de arte mayor a una imagen.

Sin embargo, eso no impidió que varios artistas del siglo XVII, como el caso del reconocido Rembrandt, buscasen nuevas formas y procedimientos para realizar una imagen gráfica; convirtiendo al grabado en una nueva técnica del arte y con un nuevo valor. Cabe mencionar que algunos artistas de este siglo, hicieron del grabado un medio más técnico y de cocina, que de expresión.

A finales del siglo XVIII, el músico alemán Senefelder, hizo de un invento personal una nueva técnica gráfica, mejor conocida como litografía. El proceso era sencillo y barato, lo que convenció a muchos artistas para ser explorado.

En el siglo XIX, el asunto del grabado no sólo continuaba por el descubrimiento de técnicas sino que además, funcionaba para ilustrar las primeras revistas y periódicos publicados; y del mismo modo nacerían los primeros carteles de la época. Estos además de dar un servicio comunicativo a la gente, llevarán el diseño y lo artístico a la calle, la obra de Tolouse Lautrec nos habla claramente de esto.

Por finalizar, en el siglo XX, los artistas de las vanguardías modernistas retomaron al grabado como un medio más, a la par de la pintura y escultura; por lo cuál, sacándole el mejor provecho al material y a la técnica, sacudieron de nuevo las jerarquías del arte y del sistema. Algo similar a lo sucedido con la fotografía y su reproducción múltiple.

Bienvenida...

Este es mi primer blog, no sé lo que venga después. Sólo espero que tanto ustedes como yo lo disfrutemos al máximo. Cualquier duda, comentario, sugerencia o insinuación me la hacen llegar, gracias.

Como saben soy amante del arte y de todas esas cosas. No me considero experta en el tema, ya que abunda información. Me inclino hacia lo visual porque es un campo que me atañe, me seduce y me confronta con mi realidad. Es así, que en dicho espacio pretendo compartir experiencias, opiniones y por qué no, mis idealizaciones. Espero que les guste.